Жан Батист Симеон Шарден (1699–1779) Женщина, набирающая воду в баке. Около 1733–1739. Холст, масло. 39,7x31,8

Живший во Франции во время всеобщей любви к изощренным, прихотливым композициям и сюжетам на темы галантных празднеств и фантазийных пасторалей, Жан Батист Шарден был как никто далек от модного стиля рококо и его проявлений в живописи. Его привлекало совсем иное — обыденные и размеренные сцены домашнего быта, представленные в столь величественном и торжественном ключе, что время в них замирает и практически перестает существовать, придавая изображению характер универсальной бытийности.

Работа «Женщина, набирающая воду в баке» объединяет сразу два пристрастия художника — бытовой жанр и натюрморт, в котором живописца манило очарование простых вещей. Так, например, эта медная емкость, откуда героиня берет воду, неоднократно становилась не вспомогательным, а главным героем его произведений. Открытая дверь в другое помещение, где изображены вторая служанка, подметающая пол, и маленькая девочка, напоминает о бытовых сценах малых голландцев, которыми, несомненно, вдохновлялся живописец. Ему мастерски удалось передать различие между фактурами и плавные светотеневые границы. Картины Шардена создают неповторимое ощущение обособленной реальности, вызывая желание стать ее частью или хотя бы длительное время созерцать ее.

Франсуа Буше (1703–1770) Мельница в Шарентоне 1758. Холст, масло. 113x146

Эта сцена, изображающая реальное местечко Шарентон, под Парижем, которое было одним из самых популярных направлений отдыха у столичных жителей XVIII столетия, у Франсуа Буше предстает в присущей ему идиллической трактовке. Художник, считающийся создателем французского пасторального жанра, в своих пейзажных работах не стремился продемонстрировать глубинное понимание сути природы. Он показывал приятные глазу современников виды одомашненной природы, населенной людьми, скорее, играющими в крестьян, чем на самом деле являющимися ими. Как истинное дитя «галантного века», Буше склонен к эффекту легкой театрализации, заставляя зрителя верить в созданную им иллюзию райского сада в современном мире.

Деревья с пышными кронами, бурно текущий поток, белые голуби, вылетающие из-под крыши мельницы, и расчищающееся от облаков небо способствуют возникновению атмосферы пасторали, к чему и стремился художник. Его мир не претендует на реалистичность: выбранные цвета нарочито неестественны. Мастер любил использовать свойственные рококо сложно составленные светлые и холодные оттенки розового и голубого с жемчужными переливами. Это типично и для периода в искусстве, во всем тяготевшего к изысканности и замысловатости и давшего жизнь цветам с такими названиями, как «голубиная шейка», «резвая пастушка», «цвет потерянного времени», «веселая вдова», «цвет бедра испуганной нимфы», и для самого Буше, который, по свидетельству современников, считал, что природе «недостает гармонии и прелести, что она лишена совершенства и плохо освещена». Именно поэтому реалистичным пейзажам живописец предпочитал пасторали, соответствовавшие его вкусу.

Томас Гейнсборо (1727–1788) Эстер, графиня Сассекса, и ее дочь леди Барбара Йелвертон 1771. Холст, масло. 226,7x1 53

Томас Гейнсборо — один из известнейших английских портретистов, принесших славу живописной школе своей страны. Отличительной чертой его произведений является тщательно прописанная пейзажная среда, на фоне которой всегда предстают модели. Мастер вслед за Уильямом Хогартом продолжал традицию портретов типа «сцена собеседования» (conversation piece) — групповых изображений, в которых намечалось взаимодействие между персонажами, чаще всего связанными родственными узами.

В этом полотне Гейнсборо отмечает связь между матерью и дочерью, композиционно объединяя их фигуры, а пейзажное окружение не кажется декоративным задником. Живописная среда, создаваемая кистью художника, всегда будто наполнена свежим прозрачным воздухом. Мастер отдает предпочтение холодным и светлым мерцающим оттенкам, привносящим ощущение лиричной утонченности, чему также способствует легкий, словно летящий мазок.

Жак-Луи Давид (1748–1825) Клятва Горациев 1786. Холст, масло. 130,2x166,7

«Клятва Горациев» — одно из наиболее значительных произведений французской исторической живописи. Основной полноразмерный вариант картины Жак-Луи Давида находится в Лувре, в Толедском музее искусств же хранится уменьшенная авторская копия, написанная двумя годами позже по заказу высокопоставленного придворного — графа Водрё. Она практически ничем не отличается от оригинала, за исключением изображения прялки у ног женщины в правой части полотна. Считается, что в создании этой работы принимал участие ученик Давида Анн-Луи Жироде.

Сюжет знаменитого холста основывается на рассказе римского историка Тита Ливия о вражде Рима с городом Альба-Лонга и трех братьях-близнецах, выбранных из римского патрицианского рода Горациев для сражения с тремя братьями-близнецами из рода Куриациев, происходящего из Альба-Лонги. Горации изображены в рождающей динамичное единение фигур позе римского приветствия, дающими перед отцом клятву победить или умереть; он, в свою очередь, протягивает им мечи. Вся правая часть картины выделена для скорбящих женщин, некоторые из них состоят в родстве как с Горациями, так и с Куриациями. При таком выстраивании композиции образуется контраст между решительными, полными патриотического пафоса мужчинами и страдающими в тревоге за их судьбу женщинами.

Вдохновленная античными идеалами и написанная незадолго до Великой французской революции работа способствовала пробуждению гражданского духа в соотечественниках художника, а впоследствии стала образцовой для национального неоклассицизма — наиболее востребованного стиля во время правления Наполеона Бонапарта.

Рафаэль Пил (1774–1825) Натюрморт с апельсинами. Около 1818. Дерево, масло. 47,4x58,3

Рафаэль Пил принадлежит к семье, подарившей Америке талантливых художников в трех поколениях. Он считается первым профессиональным создателем натюрмортов в Соединенных Штатах, его произведения стали основой для формирования национальной школы натюрморта и примером для таких мастеров, как Уильям Харнетт. Пил многое почерпнул в традиции голландского натюрморта XVII века, что непосредственно отразилось на стиле его работ.

Каждый предмет, присутствующий в «Натюрморте с апельсинами», изображен с равной тщательностью и будто достоин отдельной картины, в то же время их совокупность представляет собой цельную и гармоничную композицию. Художник уделяет большое внимание различным фактурам: отражающему свет стеклу бокала, неровной кожуре апельсина, гладким свежим и сморщенным сухим виноградинам, керамической «корзинке» для фруктов. Их убедительности способствует мягкий, но прямой свет. Помещая свои объекты на темном, частично освещенном фоне, Пил добивается выразительности объема. Спираль снятой с апельсина кожуры является визуальным каламбуром к фамилии автора (Peale и peel — «кожура» — в английском читаются почти одинаково). В надписи, присутствующей на картине, говорится: «Написано для коллекции Джона А. Ольстона, покровителя ныне живущих американских художников». Джон Ольстон был братом живописца Вашингтона Ольстона и владельцем плантации в Южной Каролине, а также одним их крупнейших коллекционеров европейского и американского искусства своего времени.