Цветовая палитра Фриске отличается легкостью и красочностью, при этом он часто использует близкие цвета, что роднит его творчество с тональным стилем.

«День. Желтая комната» — одна из нескольких работ, написанных в любимой обстановке художника, имеющих подобные названия. В них передан именно этот интерьер, в чем исследователи видят импрессионистическую идею изображать один и тот же мотив с различных точек зрения и при разном освещении. Здесь натурщица сидит в кресле рядом с распахнутыми дверями залитой светом веранды.

Фредерик Карл Фриске (1874–1939) Платье 1915. Холст, масло. 81,3x63,5

Картина «Платье» написана через пять лет после работы «День. Желтая комната» и является хорошим образцом уникального стиля Карла Фриске. На полотне изображено уже знакомое зрителю кресло, возле которого стоит дама в японском халате и с цветком в руке. Хотя художник уже не уделяет столько внимания световому впечатлению и комната погружена в матовую дымку, все же в зеркале за спиной женщины отражается яркий, почти неестественный дневной свет. Специфическое освещение и придуманные цвета выдают влияние постимпрессионистов, таких как Поль Гоген и Пьер Боннар.

К тому же, вдохновленный мотивами японской гравюры, Фриске в одном полотне использовал разные ориентальные элементы, растительный орнамент. Вертикальные полосы на стене перекликаются с цветочным узором на кресле, замысловатыми завитками на шкафу и живыми цветами на нем. Такой прием исследователи назвали декоративным импрессионизмом, в котором объединяется выразительное использование цвета и света с популярным тогда стилем группы «Наби».

Роберт Генри (1865–1929) Эдна Смит в японском палантине 1915. Холст, масло. 50,8x61

Роберт Генри родился в Цинциннати, штат Огайо, его отец занимался торговлей недвижимостью. Когда мальчику было десять лет, родитель выстрелил в кого-то с целью самообороны. Семья, опасаясь за свою безопасность, переехала в Атлантик-Сити, сменила фамилию, детей отдали на усыновление. Роберт воспитывался в школе-интернате в Нью-Йорке, после чего поступил в Академию изящных искусств в Париже.

Приезд живописца в Пенсильванию в 1891 ознаменовал новый период его жизни — он открыл художественную группу «Восемь» с целью противостоять ограничениям академического искусства. Позднее она была названа историками искусства «Школой мусорного ведра» за интерес к неприглядной стороне бытия. Главенствующим стилистическим направлением объединения выступал реализм, а основным мотивом творчества Генри стало отображение современной повседневной жизни. Мастера привлекали обыденные сцены, бедные кварталы Нью-Йорка, грязные улочки с одинокими прохожими, показанные в неприкрашенном виде, во всей подчас уродливой наготе.

Для портретов Генри выбирал простые лица, таких людей зритель может встретить на каждом шагу. Картина «Эдна Смит в японском палантине» интересна присущей художнику способностью передавать характер модели, ухватить дух персонажа. Для достижения гармонии цветовых соотношений живописец использует сочетание зеленого и красного в разных оттенках и вариациях.

Джеймс Эббот Макнейл Уистлер (1834–1903) Гармония в розовом и сером: леди Me. Около 1916. Холст, масло. 193x92,2

Джеймс Эббот Макнейл Уистлер родился в штате Массачусетс, но детство и отрочество провел в Санкт-Петербурге, где посещал Академию художеств. Его искусство жестко критиковалось приверженцами академических тенденций, мастер находился в особенной конфронтации с салонным искусством Франции.

Уникальной особенностью живописца явился принцип передачи первого возвышенно-лирического впечатления от модели, что является заимствованием у импрессионистов. В портрете «Гармония в розовом и сером: леди Ме» выстроенность композиции сочетается с глубоким психологизмом во взгляде героини. При изображении фигуры Уистлер подчеркивает вертикализм, что отличает многие женские портреты мастера. Сдержанность и элегантность манер леди Ме, бледная матовая кожа, прямота осанки, статичность позы придают ей схожесть с фарфоровой статуэткой.

Судьба картины окутана тайной: по словам семьи Ме, в Художественном музее Индианаполиса хранится копия полотна, сделанная одним из учеников живописца, а оригинал был продан основателю музея Фрика в 1916. Такой обычай существовал у бедных французских аристократов — на место подлинника в доме вешалась хорошая реплика, и семья не теряла репутацию.

Эдвард Хоппер (1882–1967) Нью-Йорк, Нью-Хейвен и Хартфорд 1931. Холст, масло. 81,3x127

Дважды побывав в Париже, Эдвард Хоппер позаимствовал некоторые технические приемы импрессионизма, но, несмотря на это, его живопись не укладывается в рамки ни одного определенного стиля. Художник не признавал современный ему модернизм и предпочитал держаться на почтительном расстоянии от ненавистных абстракционистов. Основополагающим конфликтом в своих произведениях мастер делал противопоставление Цивилизации и Природы, но на картине «Нью-Йорк, Нью-Хейвен и Хартфорд» эти два контрастирующих понятия соединились.

Хоппер дестабилизирует композицию и привносит ощущение движения, будто зритель смотрит на происходящее из окна вагона, и этот вид сливается в единое целое. Завуалированное применение образов современной техники — частый мотив творчества художника. Ясны очертания домов, деревьев и железной дороги, но нельзя определить направление поезда, изображение — будто выхваченный фрагмент, фотография, сделанная на высокой скорости. Хоппер выработал систему знаков, имеющих особенные символические смыслы. Железная дорога и дома с подчеркнуто голыми стенами олицетворяют одиночество человека в мире технического прогресса.

Эдвард Хоппер (1882–1967) Холл гостиницы 1943. Дерево, масло. 81,9x101,6

В качестве смыслового подтекста для своих живописных произведений Хоппер выбирал противопоставление цивилизации и природы, внешнего благополучия и стоящего за ним личного отчаяния каждого человека. Мир его картин — жизнь одиноких и чужих друг другу людей в большом городе.

Полотно «Холл гостиницы» вполне соответствует этой тематике. В полутемном помещении отеля случайно оказались рядом женщина, читающая книгу, и пожилая пара (на заднем плане). Изображая этих людей, мастер не изменяет своему излюбленному принципу контраста. Он делает акцент на молодости и энергии дамы, подчеркивая ее золотые волосы и обнаженные по колено сильные ноги. На ее фоне пожилые люди кажутся мертвенно-бледными, застывшими в одном положении, почти манекенами. Несмотря на внешне реалистическую обстановку, геометрически четкое построение, простые и строгие формы интерьера, работа не лишена психологизма. Хоппер использует игру неестественного освещения, холодную цветовую гамму, статичные позы героев, их отчужденность для достижения эффекта неопределенности, почти мистической двусмысленности. Всеобщая неподвижность привычного мира, с одной стороны, открывает в картине глубокий смысл, а с другой — напоминает театральную декорацию.