мечтательные «храпы» вибраслэпа, скорее всего, привнёс Гэри Уоллис. Рисунок баса мог прописать Эзрин, изначально работавший над инструменталом в качестве басиста, но в данной версии играет Пратт. Как ни странно, разработка вступления и предельно пинкфлойдовская партия рояля – на счету Кэрина. (Зачем главный автор трека «повесил» на наёмного музыканта даже свою прямую обязанность – тайна, покрытая густым английским туманом.) На излёте интро на большом удалении и гораздо ближе на отрезке 01:20–01:29 можно расслышать сюрреалистичные звуки, по старой доброй традиции полученные при неправильном подключении гитары к усилителю педали «Cry Baby Wah Wah». Таким образом, инструментальные «вопли», часто характеризуемые как «крики чаек», впервые прозвучали одновременно с голосами чаек настоящих.

Помимо очевидной, «отшельнической» трактовки «Marooned», существуют и другие. Даже у самих Pink Floyd. Например, концертный дебют инструментала в Норвегии в 94 году сопровождался проекцией фильма о китах, став тихим протестом против процветавшего в этой стране китобойного промысла. (Ярлык «китовый» висит на треке ещё со времён работы в студии, когда специфический звук слайда напомнил музыкантам пение кита.) Возможно, не обошлось и без влияния одноимённого романа на космическую тематику, изданного в 64 году американским писателем Мартином Кэйдином, а также снятого по нему художественного фильма «Потерянные» («Marooned», США, 1969 год). (Как бы то ни было, юбилейный клип 14 года, раскрывающий композицию ещё и в социально-экологическом свете, включает съёмки с околоземной орбиты.)

Живьём «Marooned» была сыграна лишь три раза. Два раза группой, 29 и 30 августа 94 года в Осло (Норвегия), и один раз Гилмором, 24 сентября 2004-го в Лондоне (Англия), на праздновании пятидесятилетия гитары «Fender Stratocaster».

На фоне уходящей «Marooned» плавно вырастает «A GREAT DAY FOR FREEDOM». Пафосно-ироническим названием для трека послужил заголовок передовицы из британской газеты «Evening Standard» за 10 ноября 1989 года.

Ровное гудение органа уже на первых секундах продолжается вокальной партией в сопровождении драматического рояля. Примечательно, что в записи песни Рик участия не принимал, поручив все клавишные партии Джону. Поёт Дэвид, в куплетах звуча довольно высоко и с характерной для себя распевностью, в бриджах – чуть ниже.

Пронизанную печалью музыку написал Гилмор, опираясь на черновик одной из тем, не использованных в «A Momentary Lapse of Reason». Структура проста: два куплета, два бриджа, долгий иллюстративный отыгрыш, столь же инертный, как и вся композиция. Здесь впервые после альбома «The Final Cut» группа использует натуральную оркестровую прослойку, подготовленную Эдвардом Шермуром и Кэйменом.

В тексте Полли и Дэвида проводится параллель между событиями нашего крушимого социальными бурями мира и сном героя о переменах на личном фронте. Куплеты звучат как реквием весьма востребованной в период падения Берлинской стены браваде про «наступившую свободу». (Как известно, после формального воссоединения Германии истинной интеграции между восточными и западными немцами так и не случилось. Более того: почти сразу же (пока стену неспешно демонтировали, дробя на сувениры) последовала едва ли не тоталитарная дискриминация граждан бывшего ГДР. Как следствие, радикалы начали требовать возврата границы.) Использованный в первом куплете образ Корабля дураков мог быть вдохновлён небезызвестной картиной нидерландского художника Иеронима Босха или творчеством старинного немецкого сатирика Себастьяна Бранта. Также не исключена аллюзия на одноимённую книгу английской журналистки Кэтрин Энн Портер, где она рассказывает о зарождении нацизма в Германии Скорее же всего (с учётом политического уклона авторов песни), имеется в виду неоднозначная по своим плодам коммунистическая идеология, распространившаяся на ряд европейских и азиатских стран. Что касается образа бумажных голубей в полёте, то это, видимо, метафорическая отсылка к фальшивым обещаниям Адольфа Гитлера о неприменении агрессии. Точно так же НАТО грубо нарушила свои обещания не расширяться на Восток.

Логично предположить, что Дэвиду принадлежат слова бриджей, в которых отражены появление невыносимой прохлады к супруге Джинджер и всё более крепнущее чувство к Полли. Но даже в якобы сугубо «межгендерных» строках «And even though you needed me / It was clear that I could not do a thing for you» («И хотя ты нуждалась во мне / Было ясно, что я ничем не мог тебе помочь») вероятен намёк на Россию девяностых, геополитически предавшую своих бывших партнёров по Восточному блоку. Общее послабление, вдохновлённое недальновидной политикой умиравшего СССР, обернулось всевозможными конфликтами в целом ряде стран, вплоть до этнических чисток.

В конце концов герой просыпается под доносящийся с улицы грохот барабанов, поворачивается и видит, что он не один, что надежда жива. И тяжкие мысли тают в свете утреннего солнца, оставляя лишь горький привкус.

Закрывающее песню гитарное соло как бы отражает движение по волнам памяти или же плавный панорамный полёт над политизированным миром.

В 94 году «A Great Day for Freedom» входила в подавляющее большинство сет-листов группы, а в начале нынешнего века не минула семи сольных концертов её главного автора. В последний раз композиция была исполнена Гилмором в августе 2006 года в Гданьске (Польша).

Тишину первой паузы альбома прерывает едва различимый удар по райду (одинарной тарелке), вслед за которым выныривает минутное саксофонное соло Пэрри. Так начинается «WEARING THE INSIDE OUT», соединяющая мелодическую базу Райта и слова Мура (это был первый в истории Pink Floyd случай, когда текст целиком сочинил автор извне). Нестандартный, тягучий басовый узор предложил Пратт. Фактурно трек слегка выбивается из полотна альбома, а окружающие его паузы лишь закрепляют это впечатление.

Энтони явно сочинял под Ричарда, хотя отдельные ходы и лирические образы не менее явно отсылают к стилю Дэвида или Роджера. Песня рассказывает о долгом ступоре, вызванным стрессами и сомнениями, которые были побеждены благодаря друзьям. Своего рода исповедь клавишника Pink Floyd.

Бархатистый голос композитора возвращает к таким произведениям группы, как «See Saw» и «Burning Bridges», а также к своей сольной «Pink's Song». Райт утверждал, что эта весьма протяжённая вокальная партия была записана с первого дубля.

Певицы расположены преимущественно на блюзовом контрапункте, подобный которому группа уже использовала в «Not Now John» (более явно читается отсылка к сольным «Cuts Like a Diamond» и «Lie for a Lie»). В одном из фрагментов звучит бэк-вокал Гилмора, а в третьем куплете он поёт от лица человека, который пытается пробиться через завесу, выстроенную в сознании главного героя (вызывая неизбежную ассоциацию с «Comfortably Numb»).

Возможно, в данном контексте саксофон – это музыкальная аллегория тёмного затворничества, в то время как задумчивая гитара – символ возвращения. Так или иначе, игра Дэвида становится всё более интенсивной и вежливо вытесняет саксофонную партию, в финале заполняя всё пространство. В аранжировке также примечательны фиксированная фигура драм-машины, проходящая через всю песню, краткий проигрыш на клавишных, с фирменным для Рика трубным звуком, и звукопись сердцебиения в самом конце.

Концертный дебют «Wearing the Inside Out» состоялся лишь в 2006 году, в рамках сольного турне Гилмора «On an Island», где Райт был одним из клавишников и певцов.

Темповая, использующая характерное гитарное тремоло «TAKE IT BACK» выдержана в мажоре экстатичного полёта, наполнена энергией ветра, волн и солнечных лучей. На этот раз музыкальный замысел Гилмора расширяет Эзрин, уже не в первый раз становясь соавтором Pink Floyd. С сочинением красочного текста Дэвиду вновь помогли Сэмсон и Лэрд-Клаус. На первый взгляд, слова посвящены женщине и межгендерным страстям, но в действительности речь идёт о Матери-Природе, измученной нашим к Ней безответственным отношением. Идею подсказала телепередача, в которой говорилось о новой разновидности вирусов, устойчивой к любым антибиотикам.

Трек пронизывает атмосферное глиссандо, открытое Кэрином при прогонке звука акустической струны через устройство «Zoom Effect Box», что на выходе даёт подобие звучания смычкового инструмента. На отметке 00:49 на секунду появляется шум пролетающего вертолёта (возможно, именно его использовали при съёмках ролика к песне). В припеве задорный вокал Гилмора оттеняют голоса бэк-вокалисток, что укрепляет «природный» колорит темы.

В середине ритм на целую минуту прерывается калейдоскопом созвучий, где на фоне гитары выделяется перкуссионная партия в духе сольной композиции Мэйсона «Profiles (Part 2)». Здесь же слышен детский голос, напевающий отрывок из старинной английской колыбельной «Ring a Ring o' Rosie», в которой, предположительно, упоминается эпидемия чумы в Европе.

В финале Пратт выдаёт в точности такую же басовую фразу, как и в живых версиях «One Slip».

«Take It Back» исполнялась только в ходе турне «The Division Bell».

Сочинённая Гилмором «COMING BACK TO LIFE» начинается с интро, подобного отдельному