Вскоре после выставки живописец совершил непродолжительную поездку по Испании. В 1866 году он вернулся в Париж и продолжил прерванную работу. Первой картиной, которую художник написал после перерыва, явился «Флейтист» (Лувр, Париж), где изображена Викторина Мёран.

Э. Мане. «Портрет мадам Золя», 1879–1880, Лувр, Париж

В последующие годы Мане выполнил несколько жанровых картин и портретов своих друзей. Наиболее известной работой этого периода является «Портрет Эмиля Золя» (1868, музей Орсе, Париж). Создавая портрет этого талантливого писателя, Мане не ставил своей целью показать его сложный внутренний мир. Вместо этого художник стремился выразить умение своего героя идти к намеченной цели, его правдивость, решительность.

Достаточно подробно живописец изобразил и интерьер кабинета Золя: стол с белой фарфоровой чернильницей, множество книг в коричневых, зеленых, желтых и голубых переплетах, кресло, обитое яркой сине-розовой узорчатой тканью, японскую ширму.

На стенах кабинета висят репродукции «Олимпии» самого Мане и «Вакха» Веласкеса. Каждая деталь этой комнаты говорит об ее владельце, о его интересах, пристрастиях.

Нередко Мане слишком увлекался изображением интерьера, забывая о своей модели. Впоследствии Золя вспоминал: «Часто, когда он отрабатывал какую-нибудь второстепенную деталь, я хотел отдохнуть от позирования и подавал ему дурной совет – писать без меня. „Нет, – отвечал он мне, – я не могу ничего сделать без натуры. Я не умею выдумывать! …Если я теперь стою чего-нибудь, я обязан этим точной передаче и строгому анализу натуры“».

Э. Мане. «Девушка на скамейке», 1879, частное собрание, Нью-Йорк

Э. Мане. «Портрет Стефана Малларме», 1876, Лувр, Париж

Известно, что многие художники писали портреты, не видя перед собой натуру постоянно. Некоторые лишь делали наброски с модели, а впоследствии создавали портреты, пользуясь облаченными в необходимую одежду манекенами или просто полагаясь на свою память.

Мане писал иначе. Он должен был наблюдать натуру с первой и до последней минуты создания портрета.

Если же художника не удовлетворяли какие-либо детали, он продолжал работать, менять, дополнять что-то. Так, например, создавался «Портрет Дюре» (Пти-пале, Париж).

Мане довольно быстро написал Дюре в сером костюме, и тот полагал, что портрет уже окончен.

Живописец же продолжал работу: он поставил рядом со своей моделью табуретку с обивкой гранатового цвета, затем поместил рядом книгу в светло-зеленом переплете, графин с водой, лимон, лакированный поднос. Вот как описывает эти сеансы сам Дюре: «С удивлением наблюдая за этими постепенными дополнениями и спрашивая себя об их причине, я понял, что вижу наяву в действии его органическую, инстинктивную манеру – видеть и ощущать. Очевидно, картина с ее серым тоном и монохромностью не удовлетворяла его. Ему не хватало цвета, который насыщал бы и радовал глаз, и, не введя его в картину раньше, он все же ввел его в виде этого натюрморта».

В том же 1868 году Мане написал портрет «Чтение» (Лувр, Париж), на котором изобразил свою жену и сына Леона. Мадам Мане сидит, удобно устроившись на диване. Она является центральной фигурой композиции, художник стремится наиболее полно изобразить ее и ту спокойную домашнюю обстановку, в которой находится эта женщина. Что касается Леона, то он как будто бы случайно возник в комнате.

Зритель видит только его профиль и руки, в одной из которых он держит книгу. Но если в «Чтении» присутствие Леона имеет второстепенное значение, то в картине «Завтрак в ателье» (1868, Баварское государственное собрание, Мюнхен) сыну художника отведено центральное место.

В июле 1870 года началась франко-прусская война, и Мане поступил добровольцем в Национальную гвардию. К этому периоду относятся его произведения «Баррикада» (1871, музей изобразительных искусств, Будапешт), «Расстрел коммунаров» (1871, Музей Фолькванг, Эссен) и др.

В конце жизни художник увлекся пейзажами, стал писать марины и виды портов. Но на протяжении всего творческого пути он не оставлял работы над портретами. Мане создал цикл портретов, посвященных художнице Берте Моризо («Берта Моризо с фиалками», 1872, частное собрание, Париж; «Портрет Берты Моризо с веером», 1874, Художественный институт, Чикаго и др.). Среди множества работ, исполненных в 1870–1880-х годах, можно выделить «Портрет Стефана Малларме» (1876, Лувр, Париж), «Портрет Лины Кампинеану» (1878, Галерея искусств Пельсона, Канзас-Сити), «Девушка на скамейке» (1879, частное собрание, Нью-Йорк), «Портрет мадам Золя» (1879–1880, Лувр, Париж).

Уистлер, часто приезжавший в Париж, был тесно связан с художниками Франции. Т. Дюре писал: «Уистлер был американцем по рождению и французом по своему художественному образованию и симпатиям, французо-американцем он остался до конца жизни, несмотря на то что долго жил в Лондоне».

Англо-американский живописец и график Джеймс Уистлер (полное имя – Джеймс Эббот Мак-Нейл) родился в Лоуэлле, штат Массачусетс. В 1842 году вместе со своими родителями Джеймс оказался в России, куда его отец был приглашен в качестве инженера на строительство железной дороги, соединившей Петербург и Москву. В Петербурге Уистлер некоторое время посещал Академию художеств. В 1849 году умер глава семьи, и мать с сыном вернулись в США.

В 1855 году Джеймс навсегда оставил родину и уехал во Францию. В течение двух лет он обучался в парижской студии Ш. Глейра, где познакомился с Г. Курбе и Э. Мане. В 1863 году в Салоне Отверженных появилась первая крупная работа молодого художника – портрет, получивший название «Симфония № 1 – девушка в белом» (1862, Национальная галерея искусства, Вашингтон). Это полотно вызвало шквал резких обвинений в адрес живописца со стороны буржуазных критиков. В конце 1850-х годов Уистлер переехал в Лондон, но продолжал часто приезжать в Париж.

Лучшие свои портреты Уистлер написал в 1860-1870-е годы. Эти реалистичные образы отмечены искренним чувством симпатии автора к своим моделям («Девочка в белом», 1864, галерея Тейт, Лондон; «Аранжировка в сером и черном № 1 – портрет матери», 1871, музей Орсе, Париж; «Композиция серого с черным», 1872, галерея, Глазго). Такие необычные названия портретов («Симфония в синем», «Аранжировка в сером и черном» или просто «ноктюрн», «симфония», «гармония») объясняются прирожденной музыкальностью Уистлера, а также его желанием обратить внимание зрителя на сложные красочные созвучия, помогающие мастеру создавать поэтичные и искренние образы.