использовать настоящие предметы? Этим вопросом задался и художник Клас Олденбург, создававший гигантские скульптуры в виде ложек, вилок, прищепок, иголок, губной помады и других участников повседневности, которые помещал на городских площадях. В современном городе статуи полководцев, правителей и просветителей уступили место другим кумирам – предметам, знакомым каждому. Огромные размеры произведений Олденбурга напоминают о значении, которое приобрело потребление в обществе, однако не стоит видеть в этом критическую оценку современности, наоборот, это ироничные иллюстрации к ней.

Скульптуры Олденбурга органично встраиваются в современную городскую среду, разбавляют её однообразность. Одно из оригинальных решений художника – рожок мороженого, который взгромоздился на крышу торгового центра в Кёльне. Конусовидный рожок на крыше напоминает шпиль, когда-то венчавший храмы.

Если новой религией современного общества стало потребление, то новым храмом – торговый центр с соответствующим шпилем, намекающим на главные интересы человека.

Рене Магритт. Личные ценности. 1952 г. Музей современного искусства, Сан-Франциско

Христо Явашев. Упакованные деревья. 1969 г.

Работа Олденбурга – это ироничная деталь для скучного здания, такого же, как тысячи других из стекла и металла, и такой банальный объект, как перевёрнутый рожок мороженого, способен оживить его и сделать неординарным.

Кегли выглядят обыденно в боулинг-клубе, воланчик – во время игры в бадминтон, но на городской площади эти предметы выходят за рамки привычного восприятия и становятся ярким акцентом. Сильно увеличившись в размере, предмет перестаёт казаться банальным.

Вещи, ставшие искусством, напоминают реди-мейд, однако Олденбург работал не с готовыми предметами. Его скульптуры сделаны из стали, пластика, оргстекла и других материалов и помещены не в галерее, а в городском пространстве (хотя его работы можно встретить и в музейных залах), они одновременно оживляют его и носят провокационный, хулиганский характер.

Этот приём поп-арта начал свою жизнь ещё в сюрреализме. Одним из первых, кто стал изображать обычные предметы огромных размеров, был Рене Магритт. В начале 1950-х годов он написал гигантское яблоко в крошечной комнате, интерьер с огромной расчёской, таблеткой и рюмкой. Странное сочетание самих вещей и соотношение их масштабов, живущее против законов логики, – типичный приём сюрреализма.

Клас Олденбург. Упавший конус. Dropped Cone (Collaboration with van Bruggen). 2001 г.

Марсьяль Райс. Верте. 1963 г. Частная коллекция

Джеф Кунс. Майкл Джексон с обезьянкой. 1988 г. Частная коллекция

Инфантильный, однозначный, радостный и яркий, китч ведёт диалог со зрителем как с ребёнком, обращаясь к детским ассоциациям, фантазиям и миру детства.

Джеф Кунс создал целую серию больших скульптур из стали, имитирующих игрушки из воздушных шаров в виде собак и цветов. Глянцевая поверхность огромных скульптур, сочный и немного ядовитый цвет делают их заметными, где бы они ни находились. Они создают ощущение праздника и вызывают детский восторг, ведь обычно такие шарики продаются на ярмарках и в цирке. Гигантские размеры скульптур пропорциональны стремлению китча создать образ детского счастья, которое хочет пережить каждый при встрече с искусством.

Джеф Кунс лично не занимается воплощением своих проектов, а поручает их выполнение целому цеху сотрудников, которые полностью изготавливают скульптуры. Когда-то в мастерских Тициана, Рафаэля, Рубенса, Рембрандта трудилось множество ассистентов, которые нередко выполняли большую часть работы за художника – хозяин мастерской ставил лишь подпись на картине и отдавал её заказчику. Кажется, в искусстве Кунса и других художников конца XX века история повторилась снова, хотя в весьма причудливом виде, ведь даже саму идею такой скульптуры сложно назвать авторской. Техника изготовления предмета вообще лишена рукотворного вмешательства, и это свойство многих произведений современного искусства. Художник будто ушёл, отстранился от искусства, перестав не только прикладывать руку к его созданию, но и избавился от необходимости придумывать что-то новое, исключительное и возвышенное. Эти особенности, проявившиеся в искусстве во второй половине XX века, связаны с новой системой художественных координат, названных постмодернизмом.

Джеф Кунс. Собака из воздушных шариков. Частная коллекция

Постмодернизм

XX век можно представить расколовшимся на две равные части: эпоху модернизма, длившуюся до конца 1950-х годов, и постмодернизма, которая началась в 1960-е и, возможно, не закончилась до сих пор.

Модернизм – это большой период в искусстве, целью которого был отказ от традиций, поиск новых форм, выразительных средств, творческое переустройство мира. Стремление обновить художественный язык подталкивало художников, архитекторов, писателей, композиторов к экспериментам. Постоянное сбрасывание опыта прошлого с корабля современности привело к тому, что в итоге не осталось ничего, что можно было бы отрицать, искусство пришло к финальной точке на этом пути – тишине полотен Ротко и Ньюмена. Дальнейший отказ от традиций стал невозможен, а любые художественные эксперименты выглядели вторичными, являясь лишь подражанием авангарду.

Постмодернизм – не стиль и не совокупность стилей, а эпоха, пришедшая на смену модернизму, наступившая после двух мировых войн, когда утвердилась бессмысленность надежд на какое-либо переустройство, обновление и поиск верного пути в искусстве. Это новое восприятие культуры второй половины XX века, которая не должна отказываться от опыта прошлого, а, наоборот, активно использовать его и переосмыслять. В современном мире, где возможности медиа безграничны, информации стало слишком много, и он больше не способен порождать и вмещать новое. Поэтому первыми и главными свойствами постмодернизма являются цитирование, повторение и творческая переработка образов и сюжетов, созданных ранее.

Дуэйн Хэнсон. Люди сегодняшнего дня, 1979 г. Музей американского искусства Уитни, Нью-Йорк

Таким путём шли гиперреалисты, создававшие скульптуры, идеально похожие на реальные объекты, и картины со сценами из жизни, по манере исполнения напоминающие фотографии. Результатом кропотливой работы «дедушки гиперреализма» Дуэйна Хэнсона стало появление десятков скульптурных изображений простых американцев в серии «Люди сегодняшнего дня». Для изготовления композиций Хэнсон использовал винил, стекловолокно и другие материалы, делая точные копии с живых людей. Он покупал парики, аксессуары и одежду в секонд-хенде, чтобы облик его героев был максимально близок к реальности. Изображая кожу, художник детально прорабатывал вены, морщины, синяки. Хэнсон апроприировал образы самых обычных американцев, показывая их в естественных и характерных ситуациях: отдыха, шопинга, ожидания транспорта. Выставленные в галереях, эти фигуры находятся в том же пространстве, что и зритель, между ними не существует никакой зримой границы. Все герои выглядят скучающими, не замечающими ничего вокруг, отстранёнными – как настоящие незнакомые люди в супермаркете. Отстранённым от своего искусства выглядит и художник. Он будто не